Michael Krenn

Univ. Prof. Michael Krenn (Jahrgang 1986) ist seit 2018 Professor für Saxophon an der Musik und Kunst Privatuniversität der Stadt Wien (MUK) und seit 2016 Professor am Tiroler Landeskonservatorium. Seine Studien an der MDW bei Oto Vrhovnik sowie an der KWPU bei Lars Mlekusch schloss er mit Auszeichnung ab. 

Er ist Preisträger zahlreicher internationaler Musikwettbewerbe und Stipendiat des BMEIA und BKA. Krenn ist Gründungsmitglied des mehrfach ausgezeichneten Mobilis-Saxophonquartettes und des Vienna Saxophonic Orchestra. Seit 2013 ist er Mitglied des österreichischen Ensembles für neue Musik (OENM). 

Konzerttätigkeiten als Solist, Kammer- oder Orchestermusiker führten ihn in verschiedene europäische Länder sowie nach Chile, Indien, Thailand, Japan, Russland und in die USA. Seine mittlerweile fünf grundverschiedenen CD Veröffentlichungen (erschienen bei Gramola Vienna und Classitone) widerspiegeln seine Leidenschaft zu unterschiedlichsten Musikstilen. 

http://www.michael-krenn.com 

Foto Copyright: Günther Jagoutz

Angélica Castelló (B. Mexico City, 1972)

Angélica Castelló is a Mexican-Austrian composer, recorder player, improviser, sound artist, and magnetophonic tape weaver—an act that, in metaphor and in praxis, encompasses her practice at large.

Her works intertwine bits and pieces of life into electroacoustic spells—memories, death, solace, trauma, resilience, fragility, the oneiric, the subconscious—evoking the beauty and challenge of being alive. Such spells take many shapes; they sway between instrumental and electroacoustic compositions, woven installations, reverberating altars, abstract improvisations, and performances
echoing people, nature, dreams and nightmares, fleeting and ephemeral moments. All turned into resonant beings. Her fascination with so-called obsolete machines—tapes, cassettes, radios, magnetophones—unfolds with the exploration of digital realms: lo-fi and hi-fi textures, synthetic and recorded sounds, field recordings, and the use of her Paetzold recorders as well as of her own voice—recording as an act of braiding memory (lat. recordare).

An example is her debut album, Bestiario, released in 2011. In this work, Castelló gathers seven stories turned into sonic sculptures that offer an abstract insight into the personal forces that initially set them in motion— biographical turning points and private memories lurking in Angélica Castelló’s mind, waiting to be caught and tamed (Andreas Felber).

Her work stems from aural recollections, field recordings, and ‘sons trouvés’ composed beyond the immediately perceptible: evoking haptics, colors, presences, and scents exhaled by the narrative itself. These sonic fragments are often distorted beyond recognition and woven into intricate dialogues with quotations from Renaissance and Baroque composers, echoes of Castelló’s earlier pieces, and with voices recorded specifically for the compositions. These recordings are re-layered across formats— from lo to hi-fi, analogue and digital—composed, deconstructed, and recomposed into polyphonic constellations.

Angélica Castelló composes and collaborates with a wide range of chamber ensembles and orchestras, including the ORF Vienna Radio Symphony Orchestra, Baltimore Symphony Orchestra, PHACE, Ictus Ensemble, Reconsil Ensemble, Koehne Quartet, Haydn Piano Trio, Danubia Saxophone Quartet, and Ensemble Kwadrofonik, among others. Her compositional work extends to theatre, dance, film, radio, and sound installations that operate at the intersection of music, performance, and visual art.

Her artistic collaborations are as expansive as they are diverse, encompassing long-term projects and improvisational encounters with artists such as Sophie Agnel, Martina Claussen, Meritxell Collel, Gudinni Cortina, Mario de Vega, dieb13, Natalia Dominguez Rangel, Isabelle Duthoit, Kai Fagaschinski, Christian Fennesz, Miguel Ángel Gaspar, Thomas Grill, Barbara Hannigan, Franz Hautzinger, Volkmar Klien, Tobias Leibetseder, Jan Machacek, Wolfgang Mitterer, Lorena Moreno Vera, Natacha Muslera, Jérôme Noetinger, Arnold “noid” Haberl, Maja Osojnik, Angeliki Papoulia, Christos Passalis, Tom Pauwels, Eva Reiter, Juanjose Rivas, Billy Roisz, Aude Romary, Barbara Romen, Matija Schellender, Michael Schmid, Gunter Schneider, Astrid Schwarz, Martin Siewert, Lucía Simón Medina, Burkhard Stangl, Nicolas Spencer, Fernando Vigueras, and many others active in the fields of new and experimental music.

Castelló’s work has been presented across Europe and the Americas in major festivals such as Wien Modern, Ars Electronica, Sonic Acts, CTM Festival, Sacrum Profanum, Météo, Visiones Sonoras, and Darmstadt Summer Courses. Her solo and collaborative releases appear on Interstellar Records, Grünrekorder, Mosz, einklang_records, Mandorla Label, Mikroton Recordings, Monotype, and chmafu nocords, i.a.

Beyond performance, she is active as a curator and educator, having founded the long-running concert series Neue Musik in St. Ruprecht (2004–2016). She teaches at the mdw – University of Music and Performing Arts in the Certificate Program in Electroacoustic and Experimental Music (ELAK). Recent major projects include: ESPACIO 7, 2024 (Premiered in September 2024) for Flute (also piccolo & bass), Bass Clarinet in B, Percussion (Bass Drum, Vibraphone, Tam Tam, Wooden block, Bells, Metall Objects & Triangle), E-Organ, Violin, Violoncello and Electronics. Commissioned by festival Klangspuren Schwaz. ABISMO, 2023 (Premiered in January 2023) electroacustic / fixed media. Acousmonium 2023 International festival of multichannel electroacoustic music co-production of the Floating Sound Gallery Vienna, Alcôme and echoraum. STAR WASHERS, 2020-2021 (Premiered in January 2022) for Orchestra and Electronics. Commissioned by the Baltimore Symphony Orchestra. Marin Alsop, Music Director and electronic cooperation with Barbara Hannigan. CATORCE REFLEXIONES SOBRE EL FIN / FOURTEEN REFLECTIONS ON THE END, 2019, 14 bodies woven with magnetic tapes hang inert in space. Sound installation for the museo de arte contemporáneo de oaxaca (maco) / Oaxaca; SONIC BLUE, 2013 (Premiered 6 October 2013) for sub-contrabass Paetzold recorder, accompaniment and electronics. Commissioned by Musikprotokoll Graz.

In 2022, her music theatre project Red Rooms—seven episodes about a precarious relationship, inspired by Louise Bourgeois’ installations Red Room (Child) and Red Room (Parents)—premiered at Schauspielhaus Wien as part of the Wien Modern festival. Conceived for voices, chamber ensemble, recorder trio, Revox tape machine, radios, cassette players, and electronics, the piece delves into realms of innocence and danger, life and death, eros and abuse, love and power. It confronts the family archetypes to the Red Riding Hood characters through a visceral perspective.

Likewise, the core of Castelló’s magnetophonic tape weaving resides in the material’s dual role as a recording surface and a storyteller. Through the use of old radios and cassette players, she constructs altars of sound that evoke past presences.

In this body of works, she ties the precision to the meditative in the act of weaving— tejer lo vivido (weaving what has been lived). Often in dialogue with her compositions, born from transformed field recordings, radio waves, and whispered incantations, they expand in oceanic textures, vast and engulfing. Some examples of these installations are Magnetic Room, 2017, Magellanic Tapes, 2018, and Magnetic Islands, 2017.

Castelló studied music in Mexico City , Montreal, Amsterdam, and Vienna, where she has been based since 1999. He holds a master’s degree in composition. Since 2019, Castelló has been a member of Mexico’s Sistema Nacional de Creadores de Arte. She is also a three-time recipient of the Austrian Federal Ministry for Arts and Culture State Scholarship (2011, 2016, 2021) and was honored with the Outstanding Artist Award from the Austrian State in 2014. In 2025, she received the Ernst Krenek Prize for composition from the City of Vienna.

Foto Copyright: Moritz Schell

Sarah Nemtsov wurde 1980 in Oldenburg geboren und studierte Komposition in Hannover und Berlin bei Nigel Osborne, Johannes Schöllhorn und Walter Zimmermann, außerdem studierte sie Oboe bei Klaus Becker und Burkhard Glaetzner. Sie erhielt zahlreiche Preise und Stipendien, darunter den Busoni-Kompositionspreis oder den Deutschen Musikautor*innenpreis der GEMA. 2021 wurde sie als Mitglied der Sächsischen Akademie der Künste, sowie als Mitglied der Akademie der Künste Berlin aufgenommen. Seit 2016 werden ihre Werke bei Ricordi verlegt. 2014 unterrichtete Sarah Nemtsov Komposition als Gastdozentin an der Hochschule für Musik Köln, im Sommersemester 2018 unterrichtete sie Komposition an der Haifa University mit einer DAAD Kurzzeitdozentur. Ab dem Wintersemester 2022 ist sie Professorin für Komposition an der Universität Mozarteum Salzburg. 2025 ist Sarah Nemtsov mit dem Heidelberger Künstlerinnenpreis ausgezeichnet worden. Sie arbeitet mit namhaften Ensembles und Orchestern zusammen (WDR Orchester, HR
Sinfonieorchester, Deutsches Sinfonieorchester, RSO Wien, Ensemble Musikfabrik, Klangforum Wien, ensemble mosaik, Ensemble Adapter, Nikel ensemble, Ensemble Intercontemporain, Neue Vocalsolisten Stuttgart etc.) und ihre Werke werden bei international renommierten Festivals aufgeführt – wie den Donaueschinger Musiktagen, Darmstädter Ferienkursen für Neue Musik, Wien modern, ECLAT, Ultraschall, Musica, Holland Festival, Bregenzer Festspiele, Münchener Biennale, Ruhrtriennale und vielen mehr. Nemtsovs Musik besticht durch sensibel ausgehorchte Setups, durch komplexe und energetische Texturen, musikalische Schichtungen und Wechselwirkungen zwischen akustischen Instrumenten und Elektronik. Oft spielen Literatur oder andere Künste eine Rolle, mehrere Kompositionen berühren auch politische oder soziale Themen. Ihr Werkverzeichnis umfasst über 150 Kompositionen in nahezu allen Gattungen; vom Solowerk bis zum großen Orchester, akustisch, elektronisch und multimedial, darunter mehrere abendfüllende Opern. Über ihre Oper „SACRIFICE“ (2016, UA 2017 Opernhaus Halle) schrieb DIE ZEIT: „Klang wird Raum wird Zeit wird Wirklichkeit“. 2022 wurde im Rahmen der Ruhrtriennale ihr Zyklus „HAUS“ inszeniert – „Ein von der Kette gelassener Klangrausch, der Assoziationsräume öffnet“ (so die nmz). 2023 hatte am Saarländischen Staatstheater ihre Oper „OPHELIA“ (2020-2022) zu einem Libretto von Mirko Bonné Premiere – „ein erschütterndes, ideen- und allusionsreiches Musiktheater der totalen Grenzüberschreitung“ (Opernwelt). Ihre 70-minütige Tetralogie „TZIMTZUM“ für Solistenensemble und Orchester zu kabbalistischen Schöpfungsmythen wurde im November 2023 beim Festival Essen NOW! mit dem Nikel Ensemble und dem WDR Orchester unter Leitung von Peter Rundel uraufgeführt. Sarah Nemtsovs neueste Oper – „WE“ (nach Evgenij Zamyatins dystopischen Roman) – wird im Mai 2026 an der Oper Dortmund uraufgeführt. Dafür arbeitet sie wieder mit der Regisseurin Eva-Maria Höckmayr zusammen. Sarah Nemtsov ist regelmäßig als Jurymitglied, sowie als künstlerische Beraterin in verschiedenen Kontexten tätig. 2015 gründete Sarah Nemtsov gemeinsam mit ihrem Mann Jascha Nemtsov in Berlin-Charlottenburg den „Raum für Kunst und Diskurs“ – ein offener Veranstaltungsraum und Galerie. Seit 2017 kümmert sich Sarah Nemtsov zudem um den künstlerischen Nachlass ihrer Mutter, der Malerin Elisabeth Naomi Reuter. 2023 ging das  digitale Archiv der Künstlerin online, Nemtsov war außerdem an der Veröffentlichung des Kunstbands „Elisabeth Naomi Reuter: Im Mittelpunkt der Mensch. Ölgemälde und Zeichnungen“ (Hentrich&Hentrich, 2015) beteiligt, sowie an der zweisprachigen, erweiterten Neuausgabe von Reuters Bilderbuch „Judith und Lisa / Best friends“ (Hentrich&Hentrich, 2024), das 1988 als eines der ersten Bilderbücher zum Thema Holocaust erschienen war. Nemtsov lebt in Berlin.

Foto Copyright: Rut Sigurdardóttir

Nina Šenk was born in 1982 and studied composition at the Music Academy in Ljubljana with Pavel Mihelčič. She continued her studies with Lothar Voigtländer in Dresden and at the University of Music and Performing Arts Munich with Matthias Pintscher, where she successfully completed her master’s degree in 2008.

Among her numerous awards are the European Prize for the best composition at the Young Euro Classic Festival (Concerto for Violin and Orchestra, 2004), the Prešeren Prize—the highest Slovenian state award for outstanding artistic achievement—the Johann-Joseph-Fux Opera Composition Competition of the Province of Styria (2021). In 2024, Nina Šenk received the Erste Bank Kompositionspreis 2024, one of the most prestigious awards in the field of contemporary music. According to the jury, the composer is distinguished by a “high degree of virtuosity in handling form and musical architecture.”

Her works have been performed at leading international festivals such as the BBC Proms, New York Philharmonic Biennial, Salzburg Festival, Wien Modern, Musica Viva Munich, Heidelberger Frühling, Takefu Festival, Ljubljana Summer Festival, Slowind Festival, Slovenian Music Days, World Music Days, and the World Saxophone Congress. They have also been presented in concert halls around the world by ensembles and orchestras including the Royal Concertgebouw Orchestra, Bavarian Radio Symphony Orchestra, Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, New York Philharmonic Orchestra, Strasbourg Philharmonic Orchestra, Slovenian Philharmonic Orchestra, RTV Slovenia Symphony Orchestra, Ensemble InterContemporain, Klangforum Wien, Ensemble Modern, Scharoun Ensemble, Riot Ensemble, Ensemble Mosaik, and the London Sinfonietta, among others.

Since 2019, Šenk has been a member of the Slovenian Academy of Sciences and Arts. She has served as artistic director of the concert series Koncertni abonma Ribnica since 2018 and has been a member of the organizational board of the international contemporary music festival New Music Forum Ljubljana since 2020. In the 2025/26 season, she is the “Composer in Focus” of the Aachen Symphony Orchestra.

Foto Copyright: Bor Dobrin

Johannes Berauers ist einer der vielseitigsten Komponisten Österreichs. Sein aktuelles Projekt „The Vienna Chamber Diaries“, eine Synthese aus Kammermusik und Jazz, debütierte 2013 u.a. mit den Solisten Wolfgang Muthspiel, Klaus Gesing und Gwilym Simcock.

Als Arrangeur arbeitete er für Oud Meister Anouar Brahem an „Souvenance“ mit dem Orchestra Svizzera della Italiana und  „Blue Maqams“ mit Dave Holland, Jack DeJohnette und Django Bates, erschienen auf ECM. Im Projekt „King of Ghosts“ komponierte er Stummfilmmusik gemeinsam mit Sarod Virtousen Soumik Datta und dirigierte dazu das Scottish Chamber Orchestra u.a. beim Edinburgh MELA Festival.

Berauer arbeitete weiters mit dem London Philharmonic Orchestra, Adelaide Symphony Orchestra, Shanghai Symphony Orchestra, dem Gulbenkian Orchestra, dem Brucknerorchester, Tallinn Chamber Orchestra, Symphonieorchester Vorarlberg und Camerata New York und erhielt Kompositionsaufträge u.a. vom Wiener Musikverein, Brucknerfest Linz  oder der Linzer Klangwolke.

Unter seinen Auszeichnungen finden sich das Staatsstipendium, Brucknerstipendium, Scrivere in Jazz oder der Gustav Mahler Preis.

Sein Studium absolvierte Berauer an der A. Bruckner Privatuniversität Linz (u.a. bei Christoph Cech) sowie am New England Conservatory und Berklee College of Music in Boston (bei Bob Brookmeyer und Lee Hyla), wofür er ein Fulbright Stipendium erhielt.

Berauer unterrichtet derzeit Jazzkomposition an der Kunstuniversität Graz und war zuvor am  Konservatorium Klagenfurt und an der Musikuniversität Wien tätig.

 www.johannesberauer.com

HELĒNA SOROKINA

Die in Wien lebende Mezzosopranistin Helēna Sorokina wurde in Riga, der Hauptstadt Lettlands, geboren. Erste musikalische Erfahrungen sammelte sie ab dem Alter von 5 Jahren auf der Geige, am Klavier und im Chorgesang. Von 2010 bis 2019 studierte sie Gesang an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Graz sowie seit 2014 Gesangspädagogik. Seit 2021 ist sie Doktorandin der Künstlerisch-Wissenschaftlichen Doktoratschule der Kunstuniversität Graz. Sie ist regelmäßig als Konzertsängerin für die EuropaChorAkademie und verschiedene Orchester (u.a. Israel Chamber Orchestra, Symphoniker Hamburg, Thüringen Philharmonie Gotha, Ornamentum Wien, Georgisches Kammerorchester Ingolstadt etc.) im In- und Ausland tätig.

Sie sang die Altpartien u.a. in Bachs Weihnachtsoratorium, Händels Messiah, Bruchs Das Lied von der Glocke und Mendelssohns Paulus in einigen der größten Konzertsälen Deutschlands, Italiens und Österreichs in Zusammenarbeit mit Dirigenten wie u.a. Sir Roger Norrington, Joshua Rifkin, Paolo Paroni, Joshard Daus, Johannes Prinz und Beat Furrer. Dank ihres absoluten Gehörs konnte sie 2013 eine der Hauptrollen (1. Frau) in der Uraufführung der Oper Asteroid 62 von Dmitri Kourliandski und 2016 die Altpartie in der Uraufführung der Opernperformance Paradise von Laure M. Hiendl im Rahmen vom Musikprotokoll im Steirischen Herbst gestalten. Als Solistin trat sie u.a. im Rahmen vom Internationalen Brucknerfest Linz 2014 (EntArteOpera), im Stadttheater Leoben und in der Oper in der Krypta Wien auf. Sie sang u.a. Rollen wie Anita (West Side Story), Prinz Orlofsky (Fledermaus), Mercedes (Carmen), Suzuki (Madama Butterfly), Lola (Cavalleria Rusticana) und Polina (Pique Dame). Regelmäßig veranstaltet sie Liederabende, z.B. 2015 das Konzert Schattentheater mit Cembalo im Rahmen von Rigaer Festival für Alte Musik und Tanz oder 2016 das Konzert Himmlische Klänge und Stimmen im Rahmen von Linzer Höhenrausch. 2013 bis 2020 tratt sie mit Chanson-Programmen zusammen mit Prof. Karlheinz Donauer oder mit dem Jazzorchester Eddie Luis&die Gnadenlosen auf.

Seit 2017 ist sie Altistin des Vokalensembles für Alte und Neue Musik Cantando Admont unter der Leitung von Cordula Bürgi. Mit diesem Ensemble gastierte sie u.a. bei den Salzburger Festspielen 2018, 2020 und 2021, Zeiträumen Basel, Musikfestival Bern, Gustav Mahler Musikwochen in Toblach, open music und die andere saite in Graz, Klangspuren Schwaz, Imago Festival Ljubljana, Musik und Kirche Brixen, Brücken_18, Wissenschaftskolleg zu Berlin, Teatro Colon in Buenos Aires, Yale NUS College in Singapur, Musikfestival der Azoren und Sound of Wander in Mailand. 2022 sind Auftritte bei der Münchener Biennale, im Onassis Zentrum Athen, am Teatro Sao Luiz in Lissabon, im Concertgebouw Amsterdam und an der Deutschen Oper Berlin geplant. Seit 2018 hält sie Meisterkurse und Vorlesungen zu dem Thema Zeitgenössische Vokalmusik auf universitärem Niveau, z. B. an der New York University oder University of California Berkeley und Davis in den USA. Seit 2020 entwickelt und präsentiert sie das Projekt VOICE.ONLY, ein mutige zeitgenössische Konzertreihe und ein Forschungsprojekt, das sich mit den verschiedensten Facetten der Stimme solo oder in Kombination mit Einzelinstrumenten auseinandersetzt. Ein Teil daraus ist VOICE.ONLY: Shades of Solitude – ein Projekt mit neukomponierten Werken für eine Altstimme alleine, das sich mit dem Thema Alleinsein beschäftigt und auch 2022 mit neuen Ausgaben weitergeführt wird.

Klaus Lang (*1971 in Graz) lebt in Steirisch Lassnitz (Österreich). Er studierte Komposition und Musiktheorie (bei H.M. Preßl, B. Furrer and Y. Pagh-Paan) und Orgel. Klaus Lang liebt Tee. Was er nicht mag sind Rasenmäher und Richard Wagner. Musik wird von Klaus Lang nicht als Mittel gebraucht, um außermusikalische Inhalte zu transportieren, seien es Affekte, philosophische oder religiöse Ideen, politische Programme, Werbeslogans etc.. Musik ist für ihn keine Sprache die der Kommunikation außermusikalischer Inhalte dient, sie ist ein freies für sich stehendes akustisches Objekt. In seinen Arbeiten wird Klang nicht benutzt, er wird hörend erforscht und ihm wird die Möglichkeit gegeben seine ihm innewohnende reiche Schönheit zu entfalten. Wenn Klang nur Klang ist (und auf nichts anderes verweisen soll), gerade dann wird er als das wahrnehmbar, was er eigentlich ist, nämlich als ein zeitliches Phänomen, als hörbare Zeit. Die Zeit als das eigentliche Material des Komponisten ist für Klaus Lang also auch zugleich zentraler Gegenstand der Musik. Musikalisches Material ist durch das Klingen wahrgenommene Zeit, der Gegenstand von Musik das hörende Erlebnis von Zeit.
Musik ist hörbar gemachte Zeit.

Hannes Kerschbaumer, geboren 1981 in Brixen (Südtirol, Italien). Kompositionsstudien bei Gerd Kühr, Pierluigi Billone und Beat Furrer an der Kunstuniversität Graz. Weiterführende Studien bei Georg Friedrich Haas an der HfM Basel.

Seine Werke wurden bei Festivals wie den Internationalen Ferienkursen Darmstadt (2010), Wien Modern, Musikprotokoll im Steirischen Herbst, Klangspuren Schwaz, Wittener Tagen neuer Kammermusik, Transart, u.v.a. uraufgeführt. Zusammenarbeit mit Ensembles wie dem Arditti Quartet, Klangforum Wien, PHACE, NAMES, Ensemble Schallfeld, TENM, Haydn Orchester Bozen/Trient, Orchestra del Teatro La Fenice Innstrumenti u.v.a.

Sein kompositorisches Schaffen wurde mehrfach ausgezeichnet, darunter der SKE Publicity Preis 2015, das Staatsstipendium für Komposition (2016) und der Erste-Bank-Kompositionspreis (2017) u.a.

Gewinner des Musiktheater-Wettbewerbes OPER.A 20.21 der Haydn Stiftung (2017) mit „GAIA – a dystopian vision“.

Er ist Mitbegründer des ensemble chromoson, sowie Kurator von „INAUDITO/UNERHÖRT“.

Ausgewählte Werke erscheinen seit Herbst 2019 beim Verlag edition gravis.

Seit 2020 Lehrstuhl für Harmonielehre und Analyse an der Musikhochschule C. Monteverdi Bozen.